NUEVAS EXPOSICIONES. 31 DE ENERO AL 21 DE JUNIO
Artistas: Elmgreen&Dragset
Exposición: Intentando recordar aquello que una vez quisimos olvidar
Michael Elmgreen ( 1961, Dinamarca) & Ingar Dragset (1969, Noruega) trabajan conjuntamente como artistas desde 1995 aunando las trayectorias dentro del mundo teatral de Ingar y del mundo del arte visual de Michael. Empezaron colaborando a un nivel performativo siempre buscando una crítica subversiva de lo establecido sin por ello renunciar a la belleza. Es algo también característico de sus objetos e instalaciones artísticas posteriores. En muchas de ellas alteran las condiciones espaciales de las estructuras (museísticas, arquitectónicas, sociales o urbanas) a través de la modificación de pequeños elementos que provocan el cambio de las reglas del juego, abriendo y haciendo más excitantes esas estructuras. Lo performativo sigue presente ya que dejan al espectador el máximo potencial de improvisación con los objetos o instalaciones.
En MUSAC presentan un recorrido alrededor de la soledad. Los altavoces llamarán a un niño que se ha perdido que nunca aparece, atravesaremos el pasillo de un hotel en el que cuelga de todas las puertas el cartel de No molestar, encontraremos un niño que espera que alguien le recoja cuando baje del tejado... Además llevarán al extremo la alteración del espacio y funcionalidad del museo con una instalación-laberinto de fotos y mostrando los restos de una fiesta que tuvo lugar en uno de los patios de la institución.
Al recorrer la exposición entablaremos debates en torno a:
En MUSAC presentan un recorrido alrededor de la soledad. Los altavoces llamarán a un niño que se ha perdido que nunca aparece, atravesaremos el pasillo de un hotel en el que cuelga de todas las puertas el cartel de No molestar, encontraremos un niño que espera que alguien le recoja cuando baje del tejado... Además llevarán al extremo la alteración del espacio y funcionalidad del museo con una instalación-laberinto de fotos y mostrando los restos de una fiesta que tuvo lugar en uno de los patios de la institución.
Al recorrer la exposición entablaremos debates en torno a:
- FRIALDAD de la arquitectura institucional (instituto, chalets adosados, salas de museo, no lugares). ¿Homogeniza identidades o permite la diversidad?
- INTIMIDAD de los espacios domésticos interiores.
- Lo PÚBLICO y lo PRIVADO. lo próximo y lo indiferente, lo personal y lo colectivo. Qué nos diferencia y qué nos une.
- Qué elementos hacen que consideremos que hay hogar.
- Alteración del espacio del museo / instituto.
- Arquitectura y poder: quién decide dónde poner la entrada o los despachos o el patio. Implicaciones de estas decisiones. Pasillos, prisiones, puertas cerradas, laberintos.
- Qué nos separa y qué nos une con la pareja, la familia y los amigos, incluso después de una separación.
- La influencia de los otros en nuestra identidad.
- Relación amor-hogar.
- El Individualismo. Consumo.
- Las conexiones personales en internet: soledad real / compañía virtual.
- Multiplicación de posibilidades de comunicación que pueden causar un vértigo de soledad. ¿Medio o fin?
- Cómo etiquetamos a partir de la apariencia. ¿Es real esa etiqueta?
- ¿En qué se diferencian nuestras relaciones en nuestro tiempo de ocio y en el instituto? La primera salida fuera del ámbito cotidiano (un campamento por ejemplo): otras complicidades, otras identidades, otras libertades, otro hogar.
- Las amistades y nuestra identidad.
Artistas: Kirstine Roepstorff Exposición: El sonido interior que ahoga el exterior
Roepstorff utiliza la técnica del collage para combinar narrativas e imágenes mediáticas con otros materiales cotidianos. Su labor está ligada a un posicionamiento del artista como agente activo y reflexivo de la sociedad actual, recurriendo a imágenes y metáforas visuales provenientes tanto de la Historia como de los mass-media que transforma en cuentos críticos sobre el orden político contemporáneo y sus fracasos.
El propio título de la exposición: El sonido interior que ahoga el exterior, se centra en la cuestión de cómo las individualidades “encajan” o “emergen” de una construcción externa mayor. Esta preocupación se pone en evidencia en el anhelo de explorar con sus imágenes, la manera de sortear las influencias políticas, sociales y sentimentales impuestas, para la construcción de nuevas identidades autónomas.
La artista busca renegociar visualmente las relaciones de poder existentes, en un juego de deconstrucción y apropiación que si bien ya utilizaron los dadaístas en el siglo pasado, se distinguen en el trabajo de Roepstorff por la inclusión de un discurso íntimo y personal.
De esta manera, el deseo, el amor, los sentimientos o la melancolía como narrativas subjetivas quedan recogidas en su discurso, como intento de poner en evidencia los fracasos de los proyectos sociales colectivistas.
Junto a una selección de trabajos donde se muestra el particular universo metafórico de la artista, la exposición presenta la instalación Stille Teater (Teatro silencioso). Un nuevo método de abordar la técnica del collage en un contexto teatral-performativo. Esta obra es una visión física del texto que la artista invita a percibir mas con los sentidos que con la razón, consciente del nivel de abstracción que mantiene el diálogo para, como dice la propia Roepstorff : Conceder así mas margen al espectador para hacer su propia lectura y conectar… o no conectar.
En definitiva un espectáculo de teatro mecánico, que constituye una escultura tanto lingüística como física. Un diálogo teatralizado entre “la imagen” y “el espacio” como únicos protagonistas de esta representación, en el que se ven reflejadas sus metáforas visuales creando un lenguaje propio y personal de analizar el mundo desde un punto de vista crítico.
Durante la visita
A lo largo de la visita trabajaremos de manera dialogada con el grupo, con el objetivo de realizar interpretaciones compartidas de cada una de las piezas de la exposición.
Un lugar desde el cual iniciar el diálogo es el propio título de la muestra: El sonido interior que ahoga el exterior, que hace alusión a la fuerza interna de los individuos y a la capacidad que tiene este poder subjetivo para silenciar los acontecimientos sociales y políticos de nuestro entorno. La artista utiliza la creación artística como herramienta “silenciadora”, como agente de cambio social y político. En definitiva, como herramienta crítica.
A partir de aquí podemos preguntarnos:
¿Qué capacidad tiene el arte para ejercer transformaciones políticas?
¿A qué nos referimos cuando hablamos de arte político o arte crítico?
¿De qué otras formas, en el día a día, podemos hacer prevalecer las ideas propias frente a los órdenes sociales?
Kirstine Roestorpff utiliza en todas sus obras una serie de elementos iconográficos que hacen alusión a diferentes conceptos: El tablero de ajedrez como símbolo de las relaciones de poder; las peras como reflejo de pasividad; la araña como agente de cambio; la mujer como equilibrio; el bosque como símbolo de fuerza incontrolada…
¿Por qué crees que elige estos objetos y no otros para representar los conceptos anteriormente citados?
Para ti, qué otros objetos podrían haberse utilizado para representar la pasividad, el poder, el equilibrio, etc.?
La naturaleza está presente en toda la obra de esta artista:
¿Qué relaciones encuentras entre el funcionamiento de la naturaleza y las sociedades en las que vivimos?
¿En qué ocasiones has pensado que tenemos maneras de funcionar similares a las que podemos encontrar en la naturaleza?
Esta artista hace mención en sus obras a las relaciones de poder (tablero de ajedrez):
¿Qué aspectos de nuestra vida cotidiana se ven afectados por relaciones en las que unas personas ejercen poder sobre otras?
¿Qué consecuencias tienen este tipo de relaciones sobre cada uno de nosotros?
¿Qué cambios podríamos introducir en nuestras relaciones personales pata evitar situaciones de poder?
Al final de la visita veremos parte de una pieza teatral compuesta por la artista:
¿En qué se diferencia esta obra de teatro de otras que hayas visto en otras ocasiones?
¿Qué explicación darías al hecho de encontrar una obra de teatro en una exposición de una artista visual?
¿Qué relaciones ves entre los diálogos de la obra y las piezas de la exposición?
Nuestra propuesta de trabajo práctico
Proponemos para los cursos de secundaria y bachillerato una actividad que acerque a los/as alumnos/as al lenguaje del collage y a su fuerza como herramienta crítica.
Entendemos que éste es un lenguaje que nos permite aproximarnos a las realidades que nos ofrecen las imágenes desde una perspectiva analítica y transformadora, ofreciéndonos la posibilidad de cortar, pegar o superponer diferentes elementos que acaben por transformar el significado de las imágenes cotidianas.
En el taller experimentaremos estos procesos utilizando como punto de partida las noticias de la prensa, tal y como lo hace Kirstine Roestorpff en algunas piezas de la exposición.
Partiremos, con los/as alumnos/as, de aquellas noticias que más nos incomodan, aquellas que generan en nosotros un mayor rechazo. A partir de ellas, y utilizando diferentes técnicas, procederemos a desmontarlas para generar así una visión fragmentada y dispersa de las mismas.
Una vez hecho este primer ejercicio, intentaremos reconstruir su significado incorporando nuestra opinión sobre cada una de ellas. Es en este punto del trabajo donde queda abierto un espacio para la reflexión personal sobre el tema abordado o una crítica de su significado original.
Esta actividad nos ofrece la oportunidad de explorar las posibilidades de un lenguaje tan utilizado como el collage no sólo desde sus cualidades plásticas, sino también desde su potencial como instrumento de análisis y crítica social.
El propio título de la exposición: El sonido interior que ahoga el exterior, se centra en la cuestión de cómo las individualidades “encajan” o “emergen” de una construcción externa mayor. Esta preocupación se pone en evidencia en el anhelo de explorar con sus imágenes, la manera de sortear las influencias políticas, sociales y sentimentales impuestas, para la construcción de nuevas identidades autónomas.
La artista busca renegociar visualmente las relaciones de poder existentes, en un juego de deconstrucción y apropiación que si bien ya utilizaron los dadaístas en el siglo pasado, se distinguen en el trabajo de Roepstorff por la inclusión de un discurso íntimo y personal.
De esta manera, el deseo, el amor, los sentimientos o la melancolía como narrativas subjetivas quedan recogidas en su discurso, como intento de poner en evidencia los fracasos de los proyectos sociales colectivistas.
Junto a una selección de trabajos donde se muestra el particular universo metafórico de la artista, la exposición presenta la instalación Stille Teater (Teatro silencioso). Un nuevo método de abordar la técnica del collage en un contexto teatral-performativo. Esta obra es una visión física del texto que la artista invita a percibir mas con los sentidos que con la razón, consciente del nivel de abstracción que mantiene el diálogo para, como dice la propia Roepstorff : Conceder así mas margen al espectador para hacer su propia lectura y conectar… o no conectar.
En definitiva un espectáculo de teatro mecánico, que constituye una escultura tanto lingüística como física. Un diálogo teatralizado entre “la imagen” y “el espacio” como únicos protagonistas de esta representación, en el que se ven reflejadas sus metáforas visuales creando un lenguaje propio y personal de analizar el mundo desde un punto de vista crítico.
Durante la visita
A lo largo de la visita trabajaremos de manera dialogada con el grupo, con el objetivo de realizar interpretaciones compartidas de cada una de las piezas de la exposición.
Un lugar desde el cual iniciar el diálogo es el propio título de la muestra: El sonido interior que ahoga el exterior, que hace alusión a la fuerza interna de los individuos y a la capacidad que tiene este poder subjetivo para silenciar los acontecimientos sociales y políticos de nuestro entorno. La artista utiliza la creación artística como herramienta “silenciadora”, como agente de cambio social y político. En definitiva, como herramienta crítica.
A partir de aquí podemos preguntarnos:
¿Qué capacidad tiene el arte para ejercer transformaciones políticas?
¿A qué nos referimos cuando hablamos de arte político o arte crítico?
¿De qué otras formas, en el día a día, podemos hacer prevalecer las ideas propias frente a los órdenes sociales?
Kirstine Roestorpff utiliza en todas sus obras una serie de elementos iconográficos que hacen alusión a diferentes conceptos: El tablero de ajedrez como símbolo de las relaciones de poder; las peras como reflejo de pasividad; la araña como agente de cambio; la mujer como equilibrio; el bosque como símbolo de fuerza incontrolada…
¿Por qué crees que elige estos objetos y no otros para representar los conceptos anteriormente citados?
Para ti, qué otros objetos podrían haberse utilizado para representar la pasividad, el poder, el equilibrio, etc.?
La naturaleza está presente en toda la obra de esta artista:
¿Qué relaciones encuentras entre el funcionamiento de la naturaleza y las sociedades en las que vivimos?
¿En qué ocasiones has pensado que tenemos maneras de funcionar similares a las que podemos encontrar en la naturaleza?
Esta artista hace mención en sus obras a las relaciones de poder (tablero de ajedrez):
¿Qué aspectos de nuestra vida cotidiana se ven afectados por relaciones en las que unas personas ejercen poder sobre otras?
¿Qué consecuencias tienen este tipo de relaciones sobre cada uno de nosotros?
¿Qué cambios podríamos introducir en nuestras relaciones personales pata evitar situaciones de poder?
Al final de la visita veremos parte de una pieza teatral compuesta por la artista:
¿En qué se diferencia esta obra de teatro de otras que hayas visto en otras ocasiones?
¿Qué explicación darías al hecho de encontrar una obra de teatro en una exposición de una artista visual?
¿Qué relaciones ves entre los diálogos de la obra y las piezas de la exposición?
Nuestra propuesta de trabajo práctico
Proponemos para los cursos de secundaria y bachillerato una actividad que acerque a los/as alumnos/as al lenguaje del collage y a su fuerza como herramienta crítica.
Entendemos que éste es un lenguaje que nos permite aproximarnos a las realidades que nos ofrecen las imágenes desde una perspectiva analítica y transformadora, ofreciéndonos la posibilidad de cortar, pegar o superponer diferentes elementos que acaben por transformar el significado de las imágenes cotidianas.
En el taller experimentaremos estos procesos utilizando como punto de partida las noticias de la prensa, tal y como lo hace Kirstine Roestorpff en algunas piezas de la exposición.
Partiremos, con los/as alumnos/as, de aquellas noticias que más nos incomodan, aquellas que generan en nosotros un mayor rechazo. A partir de ellas, y utilizando diferentes técnicas, procederemos a desmontarlas para generar así una visión fragmentada y dispersa de las mismas.
Una vez hecho este primer ejercicio, intentaremos reconstruir su significado incorporando nuestra opinión sobre cada una de ellas. Es en este punto del trabajo donde queda abierto un espacio para la reflexión personal sobre el tema abordado o una crítica de su significado original.
Esta actividad nos ofrece la oportunidad de explorar las posibilidades de un lenguaje tan utilizado como el collage no sólo desde sus cualidades plásticas, sino también desde su potencial como instrumento de análisis y crítica social.
Artistas: Marina NúñezExposición: Fin
Desde sus comienzos, Marina Núñez (Palencia 1966), ha posicionado ideológicamente su trabajo en torno a los discursos de género y la representación del cuerpo femenino. En esta exposición podremos ver el interés actual de la artista por representar el ser post-humano, entendido éste como una mutación del cuerpo que puede alcanzar su desaparición.
Si el cine y la literatura han reflexionado infinidad de veces sobre la deshumanización en la ciencia ficción y la era de lo pos-humano, esta exposición nos aproxima a un universo de recreaciones ambiguas, concebidas con un lenguaje cercano a lo orgánico, donde se dan cabida todo tipo de cuestiones acerca del ser humano.
La exposición Fin reflexiona sobre la muerte de lo humano -no entendida como la muerte de los hombres- sino como la superación de ciertos cánones. En la era poshumana, los modelos del cuerpo y la identidad se desplazan, las fronteras entre la normalidad y lo monstruoso se desdibujan.
El recorrido de la muestra comienza con la obra Espejo deformante: cuatro vídeo-cuadros en los que aparecen representados cráneos mutantes de cristal negro, debido a las formas cóncavas y convexas de los cráneos monstruosos que distorsionan, a la manera de un espejo de feria, sus reflejos, a través de los que percibimos su propia potencia –la de todos nosotros- para la otredad y la extrañeza.
Continuamos con Ocaso, un vídeo que muestra un paisaje marítimo. En una primera lectura lo podemos relacionar con cierta iconografía que asocia el mito de lo natural como utopía pero, en realidad, se trata de un escenario artificioso -teatralizado- donde se desarrolla la tragedia: despojos corporales, encerrados en columnas/peanas/probetas de vidrio, se extienden en filas ordenadas que forman un cementerio infinito.
Una tercera obra, Monstruos de Vitruvio, consta de siete videoproyecciones, en las que arde el Hombre de Vitrubio, de Leonardo, convertido en un ser anómalo. El hombre de proporciones perfectas, el modelo ideal, es ahora, dada la violencia excluyente de los cánones, quemado por grandes llamaradas de fuego.
Otra de las piezas, Sin título (ciencia ficción), es un cuadro gigante que recorre toda la sala y representa una ciudad en ruinas. En el imaginario popular, alimentado por las abundantes películas de catástrofes, el fin de la megalópolis representa simbólicamente el fin de la humanidad. Tras la primera visión de la ciudad, observamos que ésta urbe está poblada por algunas figuras que reafirman ese paralelismo entre ambos –edificios de venas / hombres rascacielos-, así como por otras que exploran las ideas de muerte y monstruosidad.
Y por último en este recorrido, nos encontramos con Fósil, una videoinstalación formada por diez vídeos que forman un círculo en el suelo de la sala. Son imágenes de cráneos humanos, también mutantes, ya convertidos en fósiles, desgastados y deformados por el paso del tiempo. Partes de estas rocas fosilizadas son translúcidas, ambarinas, y nos permiten descubrir que, bajo estos vestigios de un futuro –el nuestro- que ya es arcaico, late una nueva y diferente vida.
Con una estética que mezcla, por un lado, a los protagonistas de algunos juegos de la Play Station, y por otro, reminiscencias de la pintura clásica y acabados barrocos, la exposición quiere mostrar una reflexión sobre el cuerpo humano, el tiempo y la era de la pos-humanización, entendida como una lectura de futuro que en realidad, no deja de ser nuestro presente.
Nuestra propuesta educativa
Antes de entrar a la exposición hablaremos de qué ideas tiene cada uno en torno a la palabra Fin. Después los alumnos visitarán libremente la obra de Marina Núñez. El sonido de las instalaciones impide el debate in situ por lo que lo realizaremos posteriormente.
¿Cómo os imagináis un ser mitad humano mitad máquina?
¿Tiene sexo? ¿Cuál?
¿Cuál es su esperanza de vida? ¿por qué?
¿Qué sentido utiliza más? Y ¿cuál es su aspecto?
Desmaterialización del cuerpo: energías, información, perfiles virtuales.
¿Somos clones o lo seremos? ¿En qué somos clones?
Información, comunicación y biotecnología.
La idea de perfección.
Somos redes.
El neodios: la negación de dios como creador: el hombre-ciencia.
¿Ansiamos tener más de un cuerpo?
Atención al cuerpo, cuales son los modelos de realidad
Alma / software
Al final de todo este debate, y en torno al mismo, comenzaremos por grupos a preparar un boceto de cómo vemos a la humanidad en el futuro. Este boceto puede tener el formato que elijan los estudiantes dentro de las siguientes posibilidades:
Desde el dibujo a la representación teatralizada o la performance para realizar un video, hasta el collage o la grabación de su descripción. Si el alumnado lo desea se subirán estos modelos a internet en el blog de Musac-escuela. Y también se da la opción de crear o completar este boceto desde casa o el aula para su posterior publicación, pensando especialmente en los que deseen realizar su proyecto por ordenador.
